Una scelta di ben 700 capolavori viene, a dimensioni gigantesche, proiettata con accompagnamento di una colonna sonora che sfuma su alcune frasi scritte, frasi che ci fanno capire la statura morale di un grande che sempre più in contrasto con i rigidi canoni accademici fonda nel 1897, con altri diciannove artisti la Wiener Sezession (secessione viennese), attuando anche il progetto di un periodico-manifesto del gruppo, Ver Sacrum (Primavera sacra), di cui verranno pubblicati 96 numeri, fino al 1903.

Gli artisti della Secessione aspiravano, oltre a portare l’arte al di fuori dei confini della tradizione accademica, in un florilegio di arti plastiche, design e architettura, anche a una rinascita delle arti e dei mestieri: non vi era uno stile prediletto. Il simbolo del Secessionismo era la Pallade Atena, dea greca della saggezza e delle buone cause, che Klimt raffigurerà nel 1898.

La proiezione (durata circa 50 minuti) che, sviluppandosi sulle pareti interne della chiesa (oggi sconsacrata), permette la completa immersione nella ricchezza e bellezza dei colori faraonica e porta il visitatore a scoprire l’uso dell’oro caratteristica che, se da una parte gli viene dal padre orafo (anche un fratello si dedicherà a quest’arte) dall’altra si ricollega ai due viaggi che, nel 1903, hanno per meta Ravenna, città dove il  Klimt viennese diventa un po’ bizantino andando oltre.

Alle dimensioni e alla forma uguale della tessera musiva Klimt sostituisce la varietà delle forme geometriche per poi  trasferire la tecnica del mosaico e comporre prati e paesaggi usando questa volta i fiori come tessere musive.

Tra le opere del periodo aureo c’è Il Bacio (realizzato tra il 1907 e il 1908) capolavoro che, per la sua  particolare eleganza di stile e l’aura mistico-erotica, divenne manifesto dell’arte secessionista viennese ed il maggior esponente del gusto della belle èpoque. Senza dimenticare  altri capolavori quali: Le Tre Età della Donna (1905), La Danae (1907-1908) e L’Albero della Vita (1905-1909), a sua volta facente parte del più ampio progetto decorativo per la Sala da Pranzo di Palazzo Stoclet a Bruxelles.

Il periodo aureo si chiuse nel 1909 con l’esecuzione di Giuditta II, seconda raffigurazione dell’eroina ebrea che libera la propria città dalla dominazione assira: l’opera, caratterizzata da cromie più scure e forti, darà avvio al periodo maturo.

Oltre l’oro Klimt appare in tutta la sua forza michelangiolesca nel rappresentare la donna in toni del bianco che rendono le figure come scolpite e nello stesso tempo soffici la sua    opera, come nessun’altra, tende all’erotismo (sono 14 i figli riconosciuti da Klimt) alla femminilità: la rappresentazione della gravidanza, della vecchiaia quando alla perdita della bellezza esteriore si abbellisce di una bellezza interiore di saggezza sono temi di alcuni suoi capolavori.

Vien da pensare che Klimt abbia subito il fascino delle teorie freudiane e della psicanalisi. In effetti quelli erano gli anni in cui Freud, conterraneo e contemporaneo di Klimt, iniziava a formulare ed esporre le sue teorie.  I critici sono divisi in questo senso, alcuni ritengono che Gustav sia stato influenzato dalla psicanalisi in questa sua rappresentazione della donna, altri che non ne abbia subito il fascino.

In ogni caso entrambi parlavano di libertà coinvolgendo il versante sessuale e depurandolo dalla morale del tempo. Ciò che scandalizzava delle opere di Klimt non era, infatti, il nudo in sé, quanto il suo modo dissacrante di proporlo. Il suo eccessivo realismo lo portò alla rappresentazione della decadenza del corpo che non veniva concepita dal mondo perfetto e glorioso della belle èpoque con la sua negazione del brutto e del triste.

L’oscenità derivava inoltre dall’erotismo e la sensualità, espliciti nelle opere klimtiane.

Nel 1909, Klimt ebbe un periodo di crisi esistenziale e artistica. Il mito della belle époque era ormai giunto al tramonto, così come i fasti dell’Impero Austro-Ungarico, che collasserà definitivamente con lo scoppio della prima guerra mondiale. Analogamente, Klimt iniziò a mettere in discussione la legittimità della propria arte, soprattutto quando venne a contatto con la produzione di artisti come Van Gogh, Matisse, Toulouse-Lautrec: dal punto di vista stilistico, il periodo maturo (o terza fase klimtiana) è caratterizzato dalla fusione di queste influenze e dall’abbandono del fulgore dell’oro e delle eleganti linee art nouveau.

Determinante per questa contaminazione fu anche l’incontro con la pittura espressionista, che in ambito viennese trovò due grandi interpreti: Egon Schiele e Oskar Kokoschka, già suoi allievi.

Notevole fu anche il decisivo influsso esercitato dall’Impressionismo, che emerge nei diversi paesaggi che Klimt dipinse in questo periodo, che ricordano molto da vicino la maniera di Claude Monet.

Nonostante i profondi mutamenti di questi anni, l’artista viennese fu espositore alla Biennale di Venezia nel 1910, vincendo nel 1911 il primo premio dell’Esposizione Internazionale di Arte di Roma con Le Tre Età della Donna.

L’11 gennaio 1918 Klimt,  di ritorno  dalla  Romania, fu colto da un ictus e il 6 febbraio dello stesso anno  colui che, dal 1900 aveva  dominato il panorama artistico nella capitale dell’impero austro-ungarico la  Vienna di Sigmund Freud, la Vienna della Belle Epoque, una città ammirata in tutto il mondo per le sue qualità e diversità artistiche e culturali, terminava la sua vita terrena lasciandoci una testimonianza di valori che  ancora oggi riesce a coinvolgerci a parlarci, a emozionarci.

Carmelina Rotundo